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La diosa del amor y la belleza en el cuadro de Botticelli está triste y apartada del mundo. Su rostro triste nos llama la atención. ¿Por qué no hay felicidad en ello, la alegría de descubrir y reconocer el mundo? ¿Qué nos quería decir el artista? El psicoanalista Andrei Rossokhin y la crítica de arte Maria Revyakina examinan la pintura y nos cuentan lo que saben y sienten.
«EL AMOR CONECTA LO TERRENO Y LO CELESTIAL»
Maria Revyakina, historiadora del arte:
Venus, personificando el amor, se encuentra en una concha marina. (1), que el dios del viento Zephyr (2) lleva a la orilla. La concha abierta en el Renacimiento era un símbolo de feminidad y se interpretaba literalmente como un útero femenino. La figura de la diosa es escultórica y su postura, característica de las estatuas antiguas, enfatiza la tranquilidad y la modestia. Su imagen inmaculada se complementa con una cinta (3) en su cabello, un símbolo de inocencia. La belleza de la diosa es fascinante, pero se ve pensativa y distante en comparación con otros personajes.
En el lado izquierdo de la imagen vemos a una pareja casada: el dios del viento Zephyr. (2) y la diosa de las flores Flora (4)entrelazados en un abrazo. Zephyr personificaba el amor terrenal y carnal, y Botticelli realza este símbolo representando a Zephyr con su esposa. En el lado derecho de la imagen, se representa a la diosa de la primavera, Ora Tallo. (5), que simboliza el amor casto y celestial. Esta diosa también estaba asociada con la transición a otro mundo (por ejemplo, con el momento del nacimiento o la muerte).
Se cree que mirto, guirnalda. (6) de la que vemos en su cuello, sentimientos eternos personificados, y el naranjo (7) estaba asociado con la inmortalidad. Entonces, la composición del cuadro apoya la idea principal de la obra: sobre la unión de lo terrenal y lo celestial a través del amor.
La gama cromática, donde predominan los tonos azules, dota a la composición de ligereza, festividad y al mismo tiempo frialdad.
No menos simbólica es la gama cromática, dominada por los tonos azules, que se transforman en grises-turquesas, lo que dota a la composición de ligereza y festividad, por un lado, y cierta frialdad, por otro. El color azul en esos días era típico de las mujeres jóvenes casadas (están rodeadas por una pareja casada).
No es casualidad que haya una gran mancha de color verde en el lado derecho del lienzo: este color estaba asociado tanto con la sabiduría y la castidad, como con el amor, la alegría, el triunfo de la vida sobre la muerte.
color del vestido (5) Ory Tallo, que se desvanece del blanco al gris, no es menos elocuente que el tono rojo púrpura del manto. (8), con el que va a cubrir a Venus: el color blanco personificaba la pureza y la inocencia, y el gris se interpretaba como símbolo de abstinencia y Gran Cuaresma. Quizás el color del manto simboliza aquí el poder de la belleza como fuerza terrenal y el fuego sagrado que aparece cada año en Semana Santa como fuerza celestial.
«ADMISIÓN DE LA BELLEZA Y EL DOLOR DE LA PÉRDIDA»
Andrey Rossokhin, psicoanalista:
La confrontación oculta en la imagen de los grupos de izquierda y derecha llama la atención. El dios del viento Zephyr sopla sobre Venus desde la izquierda. (2)representación de la sexualidad masculina. A la derecha, la ninfa Ora la recibe con un manto en las manos. (5). Con un cariñoso gesto maternal, quiere arrojar un manto sobre Venus, como para protegerla del viento seductor de Zephyr. Y es como luchar por un recién nacido. Mira: la fuerza del viento no se dirige tanto al mar oa Venus (no hay olas y la figura de la heroína es estática), sino a este manto. Zephyr parece estar tratando de evitar que Ora oculte a Venus.
Y la propia Venus está tranquila, como congelada en el enfrentamiento entre dos fuerzas. Su tristeza, el desapego de lo que está pasando llama la atención. ¿Por qué no hay felicidad en ello, la alegría de descubrir y reconocer el mundo?
Veo en esto una premonición de muerte inminente. Principalmente simbólica: ella renuncia a su feminidad y sexualidad en aras del poder materno divino. Venus se convertirá en la diosa del placer del amor, que ella misma nunca experimentará este placer.
Además, la sombra de la muerte real también cae sobre el rostro de Venus. La dama florentina Simonetta Vespucci, quien supuestamente posó para Botticelli, era el ideal de belleza de esa época, pero murió repentinamente a los 23 años de tisis. La artista comenzó a pintar «El nacimiento de Venus» seis años después de su muerte e involuntariamente reflejó aquí no solo la admiración por su belleza, sino también el dolor por la pérdida.
Venus no tiene elección, y esta es la razón de la tristeza. Ella no está destinada a experimentar atracción, deseo, alegrías terrenales.
la ropa de ora (5) muy similar a la ropa de Flora del cuadro «Primavera», que actúa como símbolo de fertilidad y maternidad. Esto es maternidad sin sexualidad. Esta es la posesión del poder divino, no la atracción sexual. Tan pronto como Ora cubra a Venus, su imagen virginal se convertirá inmediatamente en madre-divina.
Incluso podemos ver cómo el borde del manto se convierte en un gancho afilado por parte del artista: arrastrará a Venus hacia un espacio de prisión cerrado, marcado por una empalizada de árboles. En todo esto, veo la influencia de la tradición cristiana: el nacimiento de una niña debe ser seguido por una concepción inmaculada y la maternidad, pasando por alto la etapa pecaminosa.
Venus no tiene elección, y esta es la razón de su tristeza. No está destinada a ser una amante de mujeres, como la que se eleva en el abrazo voluptuoso de Zephyr. No destinado a experimentar atracción, deseo, alegrías terrenales.
Toda la figura de Venus, su movimiento se dirige hacia la madre. Un momento más, y Venus saldrá de la concha, que simboliza el útero femenino: ya no la necesitará. Pondrá los pies en la madre tierra y se pondrá la ropa de su madre. Se envolverá en una túnica púrpura, que en la antigua Grecia simbolizaba la frontera entre los dos mundos: tanto los recién nacidos como los muertos estaban envueltos en ella.
Así es aquí: Venus nace para el mundo y, apenas logrando encontrar la feminidad, el deseo de amar, pierde instantáneamente su vida, el principio viviente, lo que simboliza la concha. Un momento después, seguirá existiendo solo como una diosa. Pero hasta este momento, vemos en el cuadro a la bella Venus en la plenitud de su virginal pureza, ternura e inocencia.